ブルースとは？12小節の基本形・歴史と代表的なスタイルを解説

ブルースとは、米国南部のアフリカ系アメリカ人の文化から育った音楽です。代表的な12小節の形をCとAの具体例で読み、歴史と地域ごとの響きの違いを整理します。

「悲しい歌」「渋いギター」という印象だけでは、ピアノや管楽器が活躍する曲、踊れる曲を捉えきれません。まず楽曲の組み立てを図と表で確認し、その後に歌い方、リズム、録音と移住の歴史をたどると、聴きたいブルースを選びやすくなります。

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ブルースとは｜音楽ジャンルと楽曲形式の二つの意味
1. ブルースは悲しい曲だけではない
12小節のブルースをCの具体例で読む
調を変える場合と12小節の変形を区別する
AABとコール＆レスポンスで歌の組み立てを読む
1. AABは同じ内容を返してから展開する形
2. 声と楽器が交互に前へ出る
ブルーノートとシャッフルは何が違うか
ブルースの歴史｜成立と録音の普及を分けてたどる
代表的なスタイルを地域・編成・聴きどころで比較
代表曲を選び、形式と表現を別々に聴く
拍と小節を数えるときの補助道具
ブルースについてよくある質問
1. ブルースとはどういう意味ですか？
2. 12小節は12拍ですか？
出典・参考資料

ブルースとは｜音楽ジャンルと楽曲形式の二つの意味

ブルースという言葉には、歴史や文化を含む音楽ジャンルを指す使い方と、曲の組み立てを指す使い方があります。「12小節のブルース」という説明は、主に後者です。

ジャンルとしてのブルースには、歌手が一人でギターを弾く録音も、ピアノや管楽器を含むバンドの録音もあります。声の抑揚、楽器による応答、繰り返しの中の変化などが、それぞれの作品の個性になります。演奏の人数や音量だけで、ブルースかどうかを決めることはできません。

一方、形式とは、曲のどの位置で和音が変わり、どこで一区切りになるかという骨組みです。12小節の進行は、ブルースだけでなくジャズやロックンロールでも使われます。そのため「ブルース形式のジャズ曲」という言い方も成立します。形式を共有することと、ジャンル全体が同じであることは別の話です。

ブルースは悲しい曲だけではない

英語の「the blues」は憂うつな気分を表しますが、音楽のブルースには恋愛、生活、仕事、旅、ユーモア、祝祭的な内容などがあります。遅い曲や暗い曲だけを集めた分類ではありません。

たとえば、管楽器とともに勢いよく進むジャンプ・ブルースもあれば、少ない音で歌の余韻を聴かせる録音もあります。歌詞の内容が切なくても、伴奏は踊れることがあります。言葉が語る感情と、音のリズムが生む身体の動きは、必ず同じ方向を向くとは限らないのです。

ブルースを聴くときは、「何を歌っているか」「どのような声や楽器か」「どんなリズムか」の三つを分けると印象を説明しやすくなります。英語の歌詞をすべて理解できなくても、声のあとに楽器が入る位置や、一つの音を伸ばす表情は聴き取る手がかりになります。

12小節のブルースをCの具体例で読む

12小節のブルースは、12個の小節で一巡する形です。代表的な基本形では、I・IV・Vという三つの和音の関係を用い、4小節ずつのまとまりとして把握できます。

1小節・12小節・1コーラスの関係

小節は拍をまとめた区切りで、4分の4拍子なら通常は四つの拍で1小節です。12小節の形を一度演奏することを、この文脈では「1コーラス」と呼びます。

ここでのコーラスは、合唱やサビの意味ではありません。ブルースやジャズの演奏では、曲の基本の進行を一巡する単位にも使われます。「ギターのソロを2コーラス」という場合、12小節形式なら通常は24小節分の独奏を指します。12小節で曲全体が終わる、という意味ではないのです。

拍と小節を区別するには、「1・2・3・4」をひとまとまりとして数え、そのまとまりの数を別に進めます。4分の4拍子の12小節は48拍です。ただし、冒頭の短い前奏や、歌が小節の頭より前から始まる部分まで無理にこの48拍へ押し込む必要はありません。最初は12小節の本体が始まる場所を決め、その範囲を数えます。

4分の4拍子の数え方：4小節ずつの三段と合計を縦に読む
まとまり	含まれる小節	拍の数	役割の見取り図
最初の4小節	1〜4小節目	4拍×4＝16拍	出発点の響きを提示する
次の4小節	5〜8小節目	4拍×4＝16拍	別の和音へ移って戻る
最後の4小節	9〜12小節目	4拍×4＝16拍	締めくくり、次の一巡へつなぐ
合計	1〜12小節目	48拍	1コーラス

I・IV・VをC・F・Gへ置き換える

I・IV・Vは、基準の音から数えた位置で和音を示す書き方です。Cを基準とする例なら、IがC、IVがF、VがGに対応します。

ローマ数字を使う利点は、調が変わっても同じ関係を表せることです。C・D・E・F・G・A・Bは、ド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シに対応する音名です。Cメジャー、つまりドを中心にした長音階では、1番目がC、4番目がF、5番目がGです。音名が変わる話と、小節数が変わる話を分けておくと、譜面の表記を読み違えにくくなります。

次の表では、ブルースでよく使うセブンス・コードのC7・F7・G7で示します。たとえばC7は、ド・ミ・ソにシ♭を加えた四つの音の和音です。♭は音を半音下げる記号で、シ♭はシより半音低い音です。音名ではC・E・G・B♭と表します。数字の7は「7小節続ける」という意味ではなく、和音の種類を示しています。

Cの基本例：1マス1小節としてコードを左から順にたどる
小節の範囲	行内1番目	行内2番目	行内3番目	行内4番目
1〜4小節	C7	C7	C7	C7
5〜8小節	F7	F7	C7	C7
9〜12小節	G7	F7	C7	G7

表は左から右へ進み、行の終わりで次の行へ移ります。列見出しの「行内1番目〜4番目」は、各行の中の順番です。5小節目でF7へ、7小節目でC7へ戻り、9小節目のG7から最後のまとまりが始まります。最後のG7は、再び最初のC7へ戻る流れをつくる例です。

この譜例は、特定の録音の採譜ではなく、進行を理解するための基本例です。

C7とCメジャーの和音の違いを基礎から確かめたい場合は、音楽理論の早見表で音名・音程・セブンスコードを整理する解説がつながります。ブルースの進行では、ハ長調の音だけから作る和音の表と、ここで使うC7・F7・G7を区別して読むことが要点です。

「同じコード」と「同じ音の並び」は違う

コード記号は和音の骨格を示しており、伴奏のすべての音や弾く順番までは指定していません。同じC7の小節でも、ベース、ギター、ピアノの動きは異なり得ます。

ベースが低音を一音ずつ動かし、ギターが短い和音を返し、歌手が音を伸ばしていても、全体として同じコードの場面を保てます。表を見て「C7が四つ並ぶから音楽もまったく変化しない」と考えると、歌や伴奏の変化を見落とします。和音の変化が少ない区間こそ、音の長さや強さ、返事の位置に耳を向けられます。

また、C7・F7・G7をすべて使うことは、音楽理論で扱うCメジャーの和音だけをそのまま並べることとも異なります。F7にはE♭が含まれるなど、Cメジャーの音階外の音も現れます。ブルースの響きを、長調か短調かの二択だけで整理しようとしないことが、この後のブルーノートを理解する助けになります。

調を変える場合と12小節の変形を区別する

調を変える「移調」では、和音の名前が変わっても小節ごとの関係を保てます。一方、クイック・チェンジや終わり方の変更は、同じ12小節の中で和音の配置を変えるものです。

Aのブルースにすると何が変わるか

Aを基準にすると、I・IV・VはA・D・Eに対応します。先ほどのCの例をそのまま移調するなら、C7をA7、F7をD7、G7をE7へ置き換えます。

移調の比較：同じ小節のローマ数字・C・Aを横に見比べる
小節のまとまり	機能の並び	Cの例	Aの例
1〜4	I7・I7・I7・I7	C7・C7・C7・C7	A7・A7・A7・A7
5〜8	IV7・IV7・I7・I7	F7・F7・C7・C7	D7・D7・A7・A7
9〜12	V7・IV7・I7・V7	G7・F7・C7・G7	E7・D7・A7・E7

同じ曲でも歌手の声の高さに合わせて調を変えることがあります。その場合、Cの録音とAの録音でコード名が違っても、12小節のどこでIVへ移るかという構造は比較できます。音名をすべて覚えてからでなくても、「最初のまとまり」「5小節目の変化」「9小節目からの締め」という位置で聴けるわけです。

2小節目を変えるクイック・チェンジ

クイック・チェンジは、代表的には2小節目で早くIVへ移り、3小節目にIへ戻る形です。12小節という長さを変えず、最初の4小節に和音の動きを加えます。

Cの例なら、最初の行がC7・F7・C7・C7になります。初めのC7が四小節続く例と並べると、違いは2小節目の一か所です。言葉の「クイック」から、テンポが速くなる意味だと解釈しないようにしましょう。曲の速度と、早い段階でコードが変わることは別です。

聴いている曲の2小節目で響きが動いたとき、すぐに「12小節の基本形ではない」と判断する必要はありません。そのあと3〜4小節目で出発点へ戻り、5小節目から次のまとまりへ進むかを確認すると、同じ形式の変形として捉えられます。

最後の小節とターンアラウンド

ターンアラウンドは、一巡の終わりから次の頭へ戻るための進行やフレーズです。最後の1〜2小節などに置かれ、和音や低音の動きで次の開始を導きます。

基本例の12小節目をG7にしたのは、C7へ戻る流れを示すためです。別の形では12小節目もC7を保ちます。また、11〜12小節の中で複数の和音を使う場合もあります。「最後は必ずG7を一つ」という決まりではありません。

曲の最後まで演奏し終える場面と、次のコーラスへ進む場面でも選択は変わります。次へ続けるための進行を、そのまま曲全体の終止と考えないことが大切です。譜面や演奏を比べるときは、終わりの2小節が反復用か、曲を閉じるためかを区別します。

12小節以外のブルースもある

ブルースには8小節、16小節などの形式や、歌に合わせて長さが揺れる演奏もあります。12小節は広く使われる基本形であり、ブルースであるための唯一の条件ではありません。

マディ・ウォーターズの「Hoochie Coochie Man」は、16小節の形を知る入口としてよく扱われます。曲中で伴奏がまとまって止まる「ストップタイム」と歌の関係にも特徴があります。12小節の表だけを先に当てはめると、途中で数が合わなくなりますが、それは必ずしも数え間違いではありません。

マイナー・ブルースでは、中心となる和音がマイナーの響きになります。たとえばCの和音のド・ミ・ソに対し、Cマイナーは真ん中のミを半音下げたド・ミ♭・ソを基礎とします。先のC7・F7・G7の表を、どの曲にも共通する唯一の進行として使うことはできません。まず形式の長さ、次に和音の種類と配置、最後に細かい伴奏という順で区別すると、変更点を見失わずに済みます。

AABとコール＆レスポンスで歌の組み立てを読む

AABは歌詞の行の関係、コール＆レスポンスは呼びかけと応答の関係を表します。どちらも12小節のコード表とは別の観点ですが、一緒に見ると歌と伴奏の役割が分かります。

AABは同じ内容を返してから展開する形

AABでは最初の言葉を次の行でも繰り返し、三行目で違う内容へ展開します。一般的な12小節の説明では、各行を4小節ずつのまとまりに対応させます。

AABの関係を示す自作の例文
範囲	役割	説明用の例文
1〜4小節	A：最初の内容	窓を開けたら、町は雨だった
5〜8小節	A：同じ内容を返す	窓を開けたら、町は雨だった
9〜12小節	B：別の内容へ展開	古い傘を持って、君の駅へ向かった

これは構造の説明用に作った文章で、実在曲の歌詞や歌唱譜ではありません。Aという文字はAのコードやAメロを示していません。同じ言葉を二度歌っても、先ほどの基本形では1行目と2行目の始まる和音が異なります。そのため、言葉の反復と音楽の変化を同時に感じられます。

一行が4小節に対応するといっても、その間ずっと声が鳴り続けるとは限りません。言葉を歌い終えた残りの時間にギターやピアノが入り、次の行を待つこともあります。「歌詞は三行なのに曲は長い」と感じたら、言葉の数だけでなく、言葉と次の言葉の間に何が鳴っているかを追ってみてください。

声と楽器が交互に前へ出る

コール＆レスポンスは、一方の呼びかけに別の声や楽器が応じる構造です。ブルースでは、歌の切れ目へギターが短いフレーズを返すような関係が聴きどころになります。

ここでの応答は、最初のメロディーをそのままコピーすることに限りません。短く返す、音を伸ばす、声が上がったあとで楽器が下がるなど、異なる形でも対話のような関係が生まれます。大きな音を出す楽器だけを追うより、前景が声から楽器へ移る瞬間を探すと構成が見えます。

一人で弾き語りをしていても、この関係はつくれます。歌っている間のギターと、歌い終わった直後のギターの役割を変えれば、同じ奏者の中で呼びかけと返事が成立します。人数が少ない演奏を「伴奏が簡単」とひとまとめにせず、同時進行と交代の仕方に注目すると、演奏の組み立てをより具体的に理解できます。

ブルーノートとシャッフルは何が違うか

ブルーノートは主に音の高さや響きに関わり、シャッフルは音を置く時間の間隔に関わります。音程の表情とリズムの跳ねを分けて考えると、「ブルースらしさ」を一つの仕組みへまとめすぎずに済みます。

ブルーノートは固定した音名だけでは説明しきれない

ブルーノートは、長音階の3番目・5番目・7番目にあたる音を低めに扱う音などとして説明されます。実際の歌や楽器では、半音単位の音名だけでなく、その間を動く音程の表情も重要です。

Cを基準に音名で入口を示すなら、Eに対するE♭、Gに対するG♭、Bに対するB♭が手がかりになります。ただし、演奏で現れる音を常に鍵盤のどれかへ固定して理解する必要はありません。声で少しずつ高さを変える、ギターの弦を押し上げて音程を上げる、スライドで連続的に移動する、といった方法では、その途中の響きも表現になります。

ギターの弦を押し上げたり引いたりして音程を変える奏法は、チョーキング、英語ではベンディングと呼ばれます。スライド・ギターは、筒などを弦に触れさせて滑らせる奏法です。どちらも、音程の移り方に表情をつけられる奏法です。

ブルース・スケールは音を整理する一つの道具

よく使われるマイナー・ブルース・スケールは、CならC・E♭・F・G♭・G・B♭という六つの音の並びです。スケールは音階のことで、この例は五音のマイナー・ペンタトニックにG♭を加えた形です。

加えたG♭は、FとGの間にある音で、基準のCから数えた5番目のGを半音下げた「♭5」にあたります。「ブルーノート」と「ブルース・スケール」は関係がありますが、音程の扱いを示す言葉と、練習や分析で使う音の一覧を示す言葉という違いがあります。

この六音だけを順番に弾けば、すべてのブルースの旋律を再現できるわけではありません。CならEにあたる長3度の音が使われたり、同じ音へ近づく経路が変わったりします。また、同じ六音を使っても、どこで止めるか、どれを伸ばすか、歌のあとへどう返すかでフレーズの性格は変わります。音階は作品を聴くための目印として使い、旋律そのものの代わりにはしないのが適切です。

シャッフルは1拍の中の長短で捉える

シャッフルは、1拍の中の二つの音を均等に置かず、長い間隔と短い間隔の組み合わせとして感じるリズムです。入門的には、三連符の最初と三つ目を鳴らす形で示せます。

1拍を分けたときの位置の比較
説明用の形	分け方	音の開始位置	聴こえ方の手がかり
均等な8分音符	1拍を二等分	最初と真ん中	等しい間隔で進む
三連符によるシャッフルの模型	1拍を三等分	最初と三つ目	長い間隔のあとに短い間隔で次の拍へ進む

この比較で動かしているのは音を鳴らす位置で、拍そのものの間隔ではありません。基準の拍は一定のまま、その中をどう分けるかが変わります。跳ねるリズムを、演奏全体のテンポが速くなったり遅くなったりすることと混同しないようにしましょう。

実際の演奏では、長短の比率や音の強弱はテンポやスタイルで変わります。三連符の模型は出発点であり、すべての録音を厳密な2対1の間隔として計測できるという意味ではありません。さらに、ブルースには均等なリズムの曲もあるため、シャッフルを聴き取れないことだけでジャンルから除外することはできません。

ブルースの歴史｜成立と録音の普及を分けてたどる

ブルースは、19世紀末ごろの米国南部で育ったアフリカ系アメリカ人の音楽文化を背景に発展しました。成立の時期、楽譜の出版、商業録音の成功は別々の出来事として捉える必要があります。

労働歌や日常の表現を背景に育つ

ブルースの背景には、作業の動きを合わせる労働歌、一人で声を響かせるフィールド・ハラー、宗教的な歌など、複数の音楽実践があります。奴隷制廃止後も続いた差別や経済的困難の中で、暮らしや個人の経験を表す音楽が育ちました。

労働歌とフィールド・ハラーを、すべて同じ集団合唱と考えないことが大切です。複数人が呼びかけに応じる歌と、一人の声が自由に伸び縮みする表現では、声の使い方や時間の流れが異なります。後のブルースに見られる応答や音程の揺れを考える際も、単一の元曲からすべてが生まれたという系図にはできません。

また、後世に残った録音は、その音楽が生まれた瞬間をそのまま記録したものではありません。録音される以前から歌や演奏が伝えられていたためです。「最初のレコード」と「最初のブルース」を分けて読むと、ある演奏家一人が突然ジャンルを発明したという理解を避けられます。

楽譜と女性歌手の録音が聴き手を広げる

20世紀初頭にはブルースの要素を含む楽譜が流通し、1920年代には女性歌手の商業録音が大きな役割を果たします。W.C.ハンディの出版活動と、メイミー・スミスらの録音は、広まり方の異なる節目です。

ハンディの「The Memphis Blues」や「St. Louis Blues」は、曲が楽譜を通じて広く演奏される経路を考える入口です。楽譜を購入した別の演奏者が同じ作品を演奏できるため、口伝えや各地の公演とは違う普及経路ができます。ハンディの「ブルースの父」という呼称は、この普及への貢献と結びつけて理解できます。

メイミー・スミスが1920年に録音した「Crazy Blues」の成功は、黒人の聴き手に向けたレコード市場の展開に影響しました。ミシシッピ大学の資料は、この曲を単純なAABのブルースに収められないことにも触れています。形式上の特徴をすべて満たすかどうかと、録音史で果たした役割を分けて評価できる例です。

ベッシー・スミスやマ・レイニーなどの女性歌手を含む歴史を見ると、「初期ブルースは男性が一人でギターを弾く音楽だった」という像だけでは不十分だと分かります。舞台で歌う職業的な歌手、伴奏者、録音会社、聴き手という関係も、ブルースを広げました。

人の移動と電気楽器が都市のサウンドにつながる

南部から北部などへのアフリカ系アメリカ人の移住は、音楽を新しい都市や聴き手へ運びました。シカゴなどでは、ギターやハーモニカの音を増幅したバンドのブルースが発展します。

増幅とは、楽器の音をマイクや電気信号で受け、アンプなどを通して大きく出すことです。音量だけでなく、伸び方、歪み、ほかの楽器との釣り合いも変わります。同じ短いフレーズでも、弾き語りの中で聞こえる場合と、ドラムやベースのある編成で響く場合では働き方が違います。

マディ・ウォーターズやハウリン・ウルフらの録音は、その変化を聴く入口です。ただし、南部に電気で音を増幅しないアコースティック楽器、北部に電気楽器という境界が永久に引かれたわけではありません。人や演奏様式は行き来し、同じ音楽家でも時期や作品によって編成が変わります。

ロックや世界各地の演奏へ広がる

ブルースは、リズム＆ブルースを略したR&B、ロックンロール、ジャズなどと関わりながら、世界各地の音楽家に取り上げられてきました。1960年代の英国のブルースやブルース・ロックも、その大きな展開の一つです。

他のジャンルとの関係は、一方向の進化だけでは表せません。ロックが広まった後もブルースの演奏家は活動を続け、新しい録音や聴き手が生まれています。古いブルースがロックに置き換えられて消えた、という順番ではないのです。

カバーを通じて作品を知った場合は、曲名だけでなく演奏者と録音を分けて見ると比較ができます。ロバート・ジョンソンの「Cross Road Blues」と、クリームの「Crossroads」は、曲のつながりと編成の変化を考える入口です。原曲と後年の演奏を同じ録音と思わず、声と伴奏の受け渡し、独奏の長さなどの差に注目できます。

歴史の早見表：時期に対して普及の経路と変わった点を対応させる
時期の目安	主な動き	何が変わるか
19世紀末〜20世紀初頭	南部の音楽文化の中でブルースが育つ	生活や個人の経験を歌う表現が形成される
20世紀初頭	楽譜の出版と演奏の広がり	作品が地域を越えて共有される
1920年代	女性歌手などの商業録音が普及	レコードを通じた聴き手と市場が広がる
1940〜1950年代	都市のバンド、電気楽器、さまざまなR&B	編成・音量・音色の選択肢が広がる
1960年代以後	英国を含む各地のブルース、ロックとの交流	既存曲の再解釈や新しい聴き手との接点が増える

代表的なスタイルを地域・編成・聴きどころで比較

ブルースのスタイル名には、地域、編成、リズム、他ジャンルとの関係を表すものが混在しています。地名だけを暗記するより、どの音に耳を向けたいかと結びつけて選ぶと違いが見えます。

スタイルの比較表：聴きどころの列から演奏家の入口を探す
スタイル	地域や背景	聴くときの手がかり	演奏家の入口
デルタ・ブルース	ミシシッピ・デルタ	声とギターの応答、音程を滑らせる表現	チャーリー・パットン、サン・ハウス、ロバート・ジョンソン
ピードモント・ブルース	米国東南部	低音の反復と高音の旋律を組み合わせる指弾き	ブラインド・ボーイ・フラー、エタ・ベイカー
シカゴ・ブルース	シカゴ、南部からの移住と都市の演奏文化	電気ギター、ハーモニカ、ドラムなどの掛け合い	マディ・ウォーターズ、ハウリン・ウルフ、リトル・ウォルター
テキサス・ブルース	テキサスを背景とする多様な流れ	弾き語りから、歌うような電気ギターまでの幅	ブラインド・レモン・ジェファーソン、Tボーン・ウォーカー
ジャンプ・ブルース	1940年代に広がるバンドのスタイル	管楽器と勢いのあるリズム、歌の掛け合い	ルイ・ジョーダン
ピアノ・ブルース（例：ブギウギ）	複数の地域で発展	左手の低音パターンと右手のフレーズ	ミード・ルクス・ルイス、アルバート・アモンズ
ブルース・ロック	ブルースとロックの接点	ギターの音色、独奏、バンドの展開	ジョン・メイオール、クリームなど

デルタとピードモントはギターの役割を比べる

アコースティック・ギターのブルースを聴きたいなら、デルタとピードモントを比較する入口があります。前者では声とギターの表情の受け渡し、後者では低音と高音が同時に異なる役割を担う指弾きに注目できます。

ここでいうミシシッピ・デルタは、河口の三角州を指す言葉ではなく、ミシシッピ州北西部を中心とする地域名です。デルタ・ブルースに結びつくスライドの響きも、全曲や全奏者が必ず用いる条件ではなく、比較の手がかりです。

ピードモントの指弾きでは、親指が低音を繰り返し、別の指が高い弦の旋律を弾くような組み合わせが聴けます。低音の歩みを追ってから高音へ耳を移すと、一人のギターの中に複数の役割があることが分かります。拍の強調をずらすリズムを特徴とするラグタイムなどとの関係も含め、音が跳ね回る印象と、下を支える規則的な動きを分けて聴けるスタイルです。

シカゴとテキサスを音量だけで分けない

シカゴとテキサスの違いは、音量の大小だけでは説明できません。声のあとに応答する楽器と、録音された時代を合わせて比べます。

シカゴの編成では、ギターだけでなくハーモニカが重要な役割を持ちます。ブルースの文脈で「ハープ」と書かれている場合は、ここでは大きな弦楽器のハープではなく、ハーモニカを指すことがあります。声、ギター、ハーモニカのどれが前に出ているかを追うと、バンドを単に大きな一つの音として聴く場合より関係が明確になります。

テキサスでは、ブラインド・レモン・ジェファーソンの声とギターによる弾き語りと、Tボーン・ウォーカーの電気ギターを含む録音を対置できます。前者では声の切れ目へギターがどう入るか、後者ではバンドの中でギターがどの長さの音を返すかが比較の軸になります。同じ地域名でも、奏者と時代を特定すると聴く対象が具体的になります。

管楽器やピアノから入る選び方もある

ギター独奏よりバンドの勢いや管楽器が好きならジャンプ・ブルース、低音と旋律の組み合わせを聴きたいならピアノ・ブルースが入口になります。ブルースをギター専用のジャンルとして捉える必要はありません。

ブギウギでは、左手の繰り返す低音に対して右手が別のフレーズを重ねる関係が特徴の一つです。低音を保ちながら上の表情が変わる点を見ると、先に説明した「和音が同じでも、音の並びは変えられる」という話が具体的につながります。ピアノ・ブルースのすべてがブギウギというわけではなく、より広い呼び名の中の一つのスタイルです。

メンフィスのジャグ・バンドやニューオーリンズのピアノを中心とした音楽など、表に収めきれないつながりもあります。ジャグ・バンドは、瓶や生活用具なども楽器として用いる編成を含みます。地域名を、単一の標準編成が存在する証拠として読むより、その土地でどのような演奏文化が交わったかを知る手がかりにすると、作品を選ぶ幅が広がります。

代表曲を選び、形式と表現を別々に聴く

代表曲は、「歴史を知る」「歌と楽器の応答を聴く」「編成の違いを比べる」という目的で選べます。以下は重要度の順位ではなく、この記事の説明へ結びつけるための聴きどころです。

作品の選択表：注目点と比較で分かることを対応させて一曲を選ぶ
演奏家／曲	注目するところ	比較すると分かること
メイミー・スミス「Crazy Blues」	歌と複数の伴奏楽器	録音史の役割と12小節の説明を同一視しない
ロバート・ジョンソン「Cross Road Blues」	一人の声とギターの関係	バンドを使う後年の解釈との違い
Tボーン・ウォーカー「Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just as Bad)」	歌の切れ目へ入るギター	長い独奏以外にも応答の聴きどころがある
マディ・ウォーターズ「Hoochie Coochie Man」	伴奏の停止と再開、16小節の形	12小節に収まらないブルースの構成
B.B.キング「Every Day I Have the Blues」	歌とバンドの受け渡し	同じ曲でも録音や編成で表情が変わる
デューク・エリントン「C Jam Blues」	短いテーマと楽器の演奏	ジャズとブルース形式の接点

最初にすべてを数えながら聴く必要はありません。まず声の一区切りと楽器の返事を確かめ、次に低音や和音が変わる位置へ耳を向けると、形式と表現を別々に追えます。12小節を理解するための練習なら、このページのCの表を各マス4拍で左から順に数えると、5小節目と9小節目の位置を先に確かめられます。その後で録音を聴けば、図の基本例と異なる部分も見つけやすくなります。

同名曲の録音を比較するときは、スタジオ盤かライヴ盤か、誰が演奏したものかを揃えて記録します。たとえばB.B.キングの『Live at the Regal』は、1964年11月の公演を収め、1965年に発表されたアルバムです。収録された「Every Day I Have the Blues」を入口にすれば、声や演奏に加えて観客の反応も含む場の違いを考えられます。再発CDの発売年を、演奏が行われた年と取り違えないことも必要です。