坂本龍一とは？YMO・ソロ・映画音楽と音を探究した活動の歩み

坂本龍一は、YMOの電子音楽、ソロ作品、映画音楽を並行して手がけ、ピアノや身の回りの音、展示空間へと表現を広げた音楽家です。活動の年代と作品のつながりを知ると、有名な一曲から次に聴く作品を選びやすくなります。

「戦場のメリークリスマス」の作曲家として知った人も、YMOから興味を持った人も、すべてを発売順に聴く必要はありません。この記事では、生涯の節目を押さえたうえで、アルバム・映画・ピアノ演奏・音響作品をつなぎ、同じ曲の違う録音や、初発売と再発売の見分け方まで案内します。

坂本龍一の活動を三つの軸で見渡す
生い立ちと東京藝術大学での学び
YMOで広げた電子音楽と共同制作
1. 電子楽器と人の演奏を組み合わせたYMO
2. 1983年の「散開」とソロの関係
ソロアルバムの変化を年代でたどる
映画音楽と代表曲の関係を整理する
1. 「戦場のメリークリスマス」から知る映画と曲
2. 『ラストエンペラー』の公開年と共同受賞
ピアノで自作を組み替える活動
1. 『1996』と『/04』『/05』で変わる編成
2. 『Opus』に残された20曲の演奏
環境音と空間へ広がった音の探究
1. 音の素材と、鳴る場所を作品にする
2. 共同制作の作品から知る広がり
音楽を社会へつなぐ活動
初めて聴くときの作品の選び方
坂本龍一をさらに知る映像と書籍
出典・参考資料

坂本龍一の活動を三つの軸で見渡す

最初の見取り図は、グループでの共同制作、本人名義のソロ、映画のための音楽という三つの軸です。YMOを終えてからソロを始めたのではなく、異なる制作の場が重なっていました。

活動の軸	入口になる作品・場	そこから分かること
YMOと共同制作	YMOのアルバム、国内外のライブ	複数の音楽家と電子楽器・リズムを組み立てる活動
ソロ作品	『千のナイフ』『BTTB』『async』『12』	アルバムごとに音の材料や組み合わせを変える活動
映画音楽	『戦場のメリークリスマス』『ラストエンペラー』など	映像や場面の時間に関わり、主題が映画の外でも演奏される活動

「ソロ」は一人ですべての音を演奏した、という意味ではありません。本人名義の作品にも、演奏家、歌手、録音を担当する人などが参加します。逆にピアノ一台の演奏でも、曲の出発点はYMOや映画であることがあります。名義、作曲者、演奏者を分けて見ると、作品同士の関係がほどけます。

電子音楽家とピアニストという二つの呼び名も、対立するものではありません。鍵盤を弾く行為、音色を作る作業、録音した音を配置する作業が、一人の活動の中に共存しています。楽器の種類だけで分類するより、「どの音を、どの時間と場所で聴かせるか」という問いから作品を見ると、後年の展示までつながります。

生い立ちと東京藝術大学での学び

坂本龍一は1952年1月17日に東京で生まれ、東京藝術大学大学院の修士課程を修了しました。鍵盤と作曲の学びを土台にしながら、クラシックの演奏家という一つの職域に収まらない活動へ進みます。

公式プロフィールは、幼い頃にピアノに触れ、民族音楽学や作曲を学んだことに加え、高校への通学電車の中で音を数えていたエピソードを紹介しています。身動きしにくい車内で、毎朝聞こえる十種類以上の音を聴き分けていたという話です。後年の環境音への関心を知る際にも、まず周囲の音へ注意を向ける姿勢の具体例として読めます。

民族音楽学は、音の仕組みだけでなく、人や社会、文化との関係から音楽を研究する分野です。学びの対象が西洋の楽譜に記された作品だけではない点は、世界のさまざまな音楽や制作方法に関わった活動を知る背景になります。ただし、その学歴だけで後の作品の特徴がすべて説明できるわけではなく、録音現場で誰と何を作ったかも併せてたどります。

作曲は音の高さや順序、重なりを組み立てる仕事で、編曲は既にある曲を別の楽器や構成へ整える仕事です。さらに録音では、マイクを通した音を選び、重ね、左右や奥行きに配置します。坂本の歩みはこれらの境界をまたぐため、プロフィールに「作曲家」「ピアニスト」「音楽家」という複数の呼称が現れます。

幼少期からの考え方を本人の言葉でたどる資料には、最初の自伝『音楽は自由にする』があります。一方、後で紹介する『ぼくはあと何回、満月を見るだろう』は、その後の時期から最晩年へ続く本です。前半生の学びを詳しく知りたいのか、後年の創作や社会との関わりを知りたいのかで、読む資料を分けられます。

YMOで広げた電子音楽と共同制作

1978年、坂本龍一は細野晴臣、高橋幸宏とYMOの結成に参加しました。同じ年にソロアルバム『千のナイフ』も発表しており、グループと本人名義の制作は初めから並行しています。

電子楽器と人の演奏を組み合わせたYMO

YMOはYellow Magic Orchestra、イエロー・マジック・オーケストラの略称です。電子音を中心にしたポップ音楽の活動として知られますが、「機械が自動で演奏する音楽」と理解すると、人が曲を作り、演奏し、録音を選ぶ部分が見えなくなります。

シンセサイザーは電子的に音色を作る楽器です。鍵盤を押せば同じピアノ音が出る、という使い方だけでなく、音の立ち上がりや伸び方、明るさなどを調整できます。シーケンサーは音を鳴らす順序やタイミングを記録して再現する仕組みです。こうした機器と人の演奏を組み合わせることで、旋律、繰り返す低音、打楽器の層を精密に重ねられます。

電子音楽を聴くときは、まずメロディーを追い、その次に同じ周期で戻る音型へ注意を移す方法があります。ここでいう音型は、短い音の並びやリズムの形です。主旋律が進んでも下の音型が保たれるのか、音型自体が替わるのかを見ると、楽器の音色だけでなく曲を組み立てる仕組みにも耳を向けられます。

ライブ活動を知る資料には、『ONE MORE YMO』や『WORLD TOUR 1980』などの公式に発売された記録があります。「東風」など知っている曲から進む場合も、スタジオ盤の曲名に加えて、公演を収めた作品名を確かめることで、グループが舞台で演奏した姿をたどれます。

1983年の「散開」とソロの関係

YMOは1983年に「散開」という言葉で活動の区切りを示しました。ただし、それ以前にも坂本名義のアルバムがあり、この年をソロ活動の開始年とするのは正確ではありません。

たとえば1980年の『B-2 UNIT』は、YMOの活動期に作られたソロ作品です。1984年の『音楽図鑑』についても、制作に関わった藤井丈司らの公式インタビューでは、録音が1982年から始まり、YMOの制作などと並行した過程が語られています。発売年の線を引くだけでは、実際の作業が重なっていたことまでは分かりません。

この点を踏まえると、散開後の作品は「電子音楽から離れてピアノへ転向した」という一方向の変化では捉えきれません。以後も電子音、歌、ピアノ、映画、舞台が交差します。YMOの年表とソロの年表を横に置く見方は、活動を二つに切り分けるためではなく、同時期に別の実験が進んでいたことを知るために役立ちます。

ソロアルバムの変化を年代でたどる

ソロ作品は、電子音の初期作、ピアノを中心にした作品、環境の音や響きを扱う作品から入口を選べます。次の表は全作品の順位ではなく、異なる制作方法を知るための代表例です。

初発売年	作品	注目する入口
1978年	千のナイフ	ソロデビュー作。電子音と旋律・リズムの組み立て
1980年	B-2 UNIT	YMOと並行して進めたソロの実験
1984年	音楽図鑑	録音機器と多様な音を組み合わせる制作
1996年	1996	ピアノ・ヴァイオリン・チェロで自作曲を再構成
1998年	BTTB	ピアノを中心にしたアルバム
2017年	async	楽器音と環境音、響きや空間の関係
2023年	12	日付を題名にした12曲の録音

『千のナイフ』から『音楽図鑑』へ

『千のナイフ』は1978年10月25日発売のソロデビュー作です。初期の坂本を知る場合、後年のピアノ版で同名曲を知っていても、まずこのアルバムというまとまりへ戻ると出発点を確かめられます。

曲名とアルバム名が同じときは、配信の検索結果が一曲だけを示しているのか、アルバム全体を示しているのかを見ます。「Thousand Knives」と英語で表記された音源や、後のコンサートで再演された録音もあるためです。作品を知る目的ならアルバム、旋律の変化を比べる目的なら同名曲の異なる編成、と対象を分けると選択が明確になります。

同名曲の変化を実際に選ぶなら、デビュー作の「千のナイフ」と、『/05』8曲目の「Thousand Knives」が一組になります。日本語と英語で表示が違っても対応する曲であり、1978年のアルバムの中の音と、2005年のピアノを中心としたセルフカバーを結び付けられます。これは別の作品へ次々進む聴き方とは異なり、一つの曲が編成を変えて残る過程を追う比較です。

『音楽図鑑』の具体例は「M.A.Y. In The Backyard」です。制作参加者の藤井丈司は、公式インタビューでフェアライトというサンプラーのPage Cを使い、音を鳴らす順序を入力したと説明しています。サンプラーは録音した音を素材として取り込む機器、Page Cは文字による指示で演奏の順序を組む機能です。録った音を鍵盤で鳴らすだけでなく、順序を設計し、複数の音へ別の効果をかけながら組み立てた制作として知ることができます。

『BTTB』と「energy flow」は同じ発売ではない

『BTTB』の初発売は1998年、「energy flow」を収めたシングル『ウラBTTB』は1999年です。後の20周年盤には「energy flow」が加わりますが、『ウラBTTB』の全3曲が入るわけではありません。

『ウラBTTB』は1999年5月26日発売で、「energy flow」「put your hands up」「鉄道員」のピアノ版を収録しています。いずれも鍵盤の演奏を入口にできますが、「energy flowを聴きたい」という目的と、「1998年のアルバムを当時の収録構成で知りたい」という目的は異なります。商品や配信の曲目を見る意味がここにあります。

ワーナーの2018年の20周年記念盤案内では、初回盤をもとに、通常盤の「snake eyes」「tong poo」、海外盤の「reversing」、『ウラBTTB』の「energy flow」を収めた経緯が説明されています。一枚に入っている曲でも、最初に出た版は一つではないという例です。年表では『BTTB』を1998年の作品として読み、手元の記念盤の追加曲はその曲目欄で確かめる、という使い分けができます。

『async』と『12』は何を比べられるか

2017年の『async』と2023年の『12』は、いずれも後年の作品ですが、同じ内容の続編として並べるより、音を組み合わせる方法と記録の残し方の違いに注目できます。

『async』は、楽器の音だけに聴く対象を限定しない入口になります。音の高さを持つ旋律と、周囲の物音や響きの境目に注意を向けると、曲を「メロディーと伴奏」だけで捉える聴き方から視点が広がります。音が消えかけた後に何が残るか、次の音までどんな長さの空間があるかも、作品に触れる手がかりです。

『12』は2021年から2022年に録音した音楽から12曲を選び、2023年1月17日に発表したアルバムです。曲名には録音した日付が付いています。ただし、並びは単純な日付順ではありません。録音された日の記録を素材に、アルバムとしての順序を組み立てた作品として見ると、「日記」という言葉から一日一曲を連続して公開した企画だと誤解せずに済みます。

この二作を比べるなら、使われる音の種類だけでなく、アルバム全体の流れにも注目できます。複数の音が交わる作品へ入りたいのか、一つずつ置かれた音やその余韻に時間をかけたいのかという、聴き始める際の自分の関心を選べます。静かな作品をすべて「癒やしのピアノ」とまとめると、音の組み立てを試す側面が見えにくくなります。

映画音楽と代表曲の関係を整理する

坂本龍一の映画音楽を知るには、映画全体の音楽、そこで使われるテーマ曲、映画から離れて演奏される版を分けます。映画名を知ることと、探している録音を特定することは、別の段階です。

作品年	映画	活動をたどるポイント
1983年	戦場のメリークリスマス	大島渚監督。音楽を担当し出演もした作品
1987年	ラストエンペラー	ベルナルド・ベルトルッチ監督。翌1988年に音楽でアカデミー賞を共同受賞
1990年	シェルタリング・スカイ	同じ監督との映画音楽を別作品へたどる入口
1993年	リトル・ブッダ	ベルトルッチ作品との継続的な関わりを知る作品
2005年	星になった少年	邦画の音楽と、ピアノによる再演の関係を追う入口
2015年	母と暮せば	山田洋次監督との仕事
2016年	怒り	李相日監督作品の音楽
2023年	怪物	是枝裕和監督作品との関わり

「戦場のメリークリスマス」から知る映画と曲

1983年の映画『戦場のメリークリスマス』は、坂本が音楽と出演の両方で関わった作品です。広く演奏されるテーマの英語表記は「Merry Christmas Mr. Lawrence」で、ピアノ作品集でもこの名前から探せます。

映画は映像、台詞、効果音、音楽が時間の中で重なります。一方、テーマ曲だけを取り出した演奏では、その曲自身の始まりから終わりまでを一つの流れとして聴きます。同じ旋律でも、場面との関係を知りたいときは映画、音楽をまとめて聴きたいときはサウンドトラック、鍵盤での表現を知りたいときはピアノ版が入口になります。

サウンドトラックは映画に関わる音楽を収録した盤ですが、その収録順や長さが映画の中の使用と完全に同じとは限りません。さらに他の演奏家のカバーでは、演奏者も録音も変わります。映画の場面、映画に関わる音楽集、別の演奏家の解釈は、それぞれ違う対象として選べます。

『ラストエンペラー』の公開年と共同受賞

映画『ラストエンペラー』は1987年の作品で、アカデミー賞の受賞は1988年の授賞式です。音楽の賞は坂本龍一、デヴィッド・バーン、コン・スーの共同受賞であり、坂本一人が映画全体の音楽を作ったという意味ではありません。

受賞記録は作品を知る節目になりますが、個々の曲の作曲クレジットとは分けて見ます。アルバム全体に三人の名があっても、すべてのトラックを三人で作曲したとは限りません。坂本のテーマを聴きたい場合は曲名の「The Last Emperor」や「The Last Emperor Theme」と作曲者を対応させ、作品集全体を聴く場合は収録されたほかの音楽へ視点を広げられます。

また、映画の作品年、サウンドトラックが各国で発売された年、受賞年、後のピアノ再録音の年は別です。年表で1987年、賞の一覧で1988年、CDの商品情報でさらに後の年が出ても、直ちに矛盾とはいえません。何の年月日かをそろえることが、長く再発売される映画音楽を調べる基本になります。

ほかの作曲家のテーマ曲にも興味が広がったら、映画名・曲名・作曲家から探せる映画音楽の名曲一覧が次の入口になります。本稿は坂本の活動のつながりを追う記事で、その一覧は映画を横断して曲を探すために使えます。

ピアノで自作を組み替える活動

ピアノ演奏は、完成した曲をそのまま再現するだけでなく、違う編成で自作を組み直す場でもありました。初期の電子音楽や映画の主題が、後年の鍵盤演奏へ戻ってきます。

『1996』と『/04』『/05』で変わる編成

『1996』はピアノ、ヴァイオリン、チェロの三つの楽器で自作を聴く入口です。『/04』と『/05』は、それぞれ2004年と2005年に発表された、ピアノを中心とするセルフカバー作品です。

セルフカバーは、作者本人が以前の自分の曲を改めて演奏・録音することです。『1996』には「Rain」「The Last Emperor」「Merry Christmas Mr. Lawrence」「The Sheltering Sky」などが入り、別々の映画や作品から来た曲が一つの演奏編成で並びます。もとの出典を知った後に聴くと、曲ごとの背景の違いと、楽器をそろえたことによる共通点を比べられます。

『1996』の三人は、坂本と、ヴァイオリンのエヴァートン・ネルソン、チェロのジャキス・モレレンバウムです。1996年の本人インタビューでは、三人にクラシックの訓練だけでなく、異なる音楽やコンピューターとの演奏経験など共通する背景があり、打楽器がなくてもリズムの感覚を作れることが語られています。楽器名からクラシックの三重奏だけを連想するより、演奏家の経験も重なる制作として捉えられます。

比較する実際の曲には、『1996』6曲目の「Merry Christmas Mr. Lawrence」と、『/04』4曲目の同曲を選べます。曲名をそろえたうえで、三人の編成とピアノを中心にした版という条件を変える組み合わせです。前者では複数の楽器が線を持つこと、後者では鍵盤の中へ音をまとめることを手がかりに、旋律を追った後で内側の音の配分へ注意を移せます。

『/04』『/05』には映画のテーマだけでなく、CM、ソロ作品、YMOに由来する曲も収録されています。2024年の二枚組再発売は、2004年・2005年の作品をまとめ直したもので、新たな2024年の演奏を意味しません。リマスターという言葉も、既存の録音を仕上げ直す処理を指し、演奏そのものを録り直す再録音とは区別します。

『Opus』に残された20曲の演奏

『Ryuichi Sakamoto | Opus』は、2022年9月にNHKの509スタジオで収録したピアノ演奏を、空音央監督が映画にした作品です。20曲を8日間かけて撮影しており、観客の前の一晩のコンサートをそのまま記録したものではありません。

収録で使ったのは、2000年に坂本のために特別に作られ、コンサートや録音で長く使っていたヤマハのグランドピアノです。映像は撮影した素材を編集し、音を整える工程を経て完成しています。楽器と録音する場所をそろえ、複数日の演奏から映画の時間を作った作品であり、各曲が別々の会場から集められた映像ではありません。

演奏映像では、音に加えて手の動き、音を待つ時間、演奏する身体と楽器の位置関係を見ることができます。白黒の映像表現も作品の要素です。音楽アルバムとして聴く場合と映像で見る場合では、注意を向ける情報が変わるため、音だけで曲を覚えた後に映像へ進む楽しみ方もあります。

『Opus』の20曲を作品の出典でたどるなら、「Tong Poo」はYMO、「Merry Christmas Mr. Lawrence」は映画、「20220302 – sarabande」は『12』という入口があります。一つの映像の曲目から別々の時期の録音へ戻るための、具体的な対応になります。

環境音と空間へ広がった音の探究

坂本は曲をCDや舞台へまとめるだけでなく、映像、装置、建築空間の中で音を聴く作品にも関わりました。音響作品は「音楽の背景映像」だけではなく、聴く人の場所や動きも体験に関わる表現です。

音の素材と、鳴る場所を作品にする

環境音は、雨、風、人の生活、物が触れる音など、周囲で生じる音です。録音した環境音を作品へ取り込むことと、その場所で自然に鳴っている音に耳を向けることは、関連しながらも異なる方法です。

前者では音を録り、選び、編集して再生する過程があります。後者では、同じ場所でも天候や時間、人の動きによって聞こえ方が変わります。坂本の活動を「自然の音を使った」とだけまとめるより、どこで採集し、何を変え、どう再生する作品なのかへ進むと、具体的な制作の仕事が見えてきます。

インスタレーションとは、音や映像、物などを空間に設置して成り立つ作品です。スピーカーを複数の場所へ配置すれば、正面の舞台を一方向から見る演奏会とは違い、立つ場所によって音との距離が変わります。作品の説明にスピーカーの配置や映像装置が記されるのは、単なる展示備品ではなく表現の条件だからです。

共同制作の作品から知る広がり

高谷史郎との『LIFE―fluid, invisible, inaudible…』や、『async』から展開した映像・音響作品は、音と空間を考える入口です。作品の共同制作者を知ると、坂本一人の表現という見方から、分野をまたぐ制作へ視野が広がります。

1999年のオペラ『LIFE』と、2007年のインスタレーションは、題名を共有しながら異なる形式です。後者ではオペラをもとにした音に加え、頭上に設置した九つの水槽が光ります。舞台の開始から終演までを同じ向きで見る形式から、音と水槽のある空間に佇み、歩く形式へ変わります。音楽の素材だけでなく、聴く人がその時間とどう関わるかも変わる例です。

Zakkubalanと制作した『async-volume』には、ニューヨークのスタジオ、リビング、庭の断片的な映像と、その場所の環境音や楽曲の音素材が組み合わされています。壁に配置する端末はiPhoneとiPadの計24台です。一つの正面の大画面へ映像をまとめるのではなく、小さな複数の画面と音が空間を構成します。

『async-first light』では、アピチャッポン・ウィーラセタクンの映像のために「Disintegration」と「Life, Life」の二曲を編曲しています。こちらは、アルバムと同じ素材をそのまま流すだけではなく、映像との関係へ組み直した例です。『async』を聴いた人が次に読む作品説明として、この二曲の名前が具体的な接点になります。

東京都現代美術館の「坂本龍一｜音を視る時を聴く」は2024年12月から2025年3月に開催された展覧会で、現在開催中の案内ではありません。同展の資料は、こうした作品の構成を知る記録として役立ちます。『async-immersion Tokyo』のように没後に共同制作者が展開した作品もあるため、制作・再構成した人と時期を分けて読むことが必要です。

音源だけで体験できるものと、特定の装置や空間があって成立する作品は同じ条件では聴けません。展示写真を見ただけで実際の響きを体験したことにもなりません。それでも作品説明から、音がどこに置かれ、映像や装置と何を共有するのかは学べます。展示へ行けない場合は、まず公式の作品記録を読み、アルバムとの関係を確かめる順が取れます。

音楽を社会へつなぐ活動

森林保全や、被災地の子供たちの音楽活動の支援も、坂本の歩みの一部です。個々の団体の目的と、設立までの段階を分けると、理念だけでなく続いている活動の形が見えてきます。

森林保全団体more treesは、坂本龍一ら5人が発起人となり2007年に設立されました。森を育てる活動に加えて、木材の利用や、都市で暮らす人と森との関係をつなぐ取り組みがあります。ここでの関心は、自然を作品の音の素材として扱うことにとどまらず、環境そのものを次の世代へ渡す行動にも向いていました。

東北の音楽支援では、2011年7月の「こどもの音楽再生基金」が出発点です。東日本大震災で被害を受けた地域の学校などに対し、楽器や演奏活動を支援しました。その後、2013年の音楽祭をきっかけに期間限定の東北ユースオーケストラが編成され、2014年3月に一般社団法人として設立されています。

2011年、2013年、2014年は、同じ出来事の年が食い違っているのではありません。基金、音楽祭の楽団、継続する法人という違う段階を示します。公式の歩みでは、子供たちが異なる地域や人と出会い、音楽を通じて経験を重ねる場として活動を説明しています。一度の支援公演から継続した学びの場へ進んだ点に、この取り組みの特徴があります。

坂本は2023年3月28日に亡くなりましたが、作品の公開、資料の整理、団体の活動はその後も続いています。現在の団体紹介を読むときは、坂本が創立や設立にどう関わったかという歴史と、現在の運営者を分けます。more treesの代表が隈研吾であることのように、継承の形を見ることも、音楽家の活動を現在へたどる方法になります。

初めて聴くときの作品の選び方

最初の一作は、電子音、映画、ピアノ、音響のどこに関心があるかで選べます。次の表は、本文で紹介した作品から、次に比べる録音や資料を絞ったものです。

知りたいこと	最初の入口	次に比べる対象
初期の電子音と曲作り	『千のナイフ』、YMOの録音	『/05』8曲目の「Thousand Knives」
映画とテーマ曲の関係	『戦場のメリークリスマス』の音楽	『/04』の同じテーマ
ピアノの旋律から入りたい	「energy flow」、『BTTB』	『ウラBTTB』3曲と、20周年盤に入る「energy flow」の対応
曲以外の音や余韻へ耳を向けたい	『async』	アルバムから展開した公式の展示記録
長い活動を演奏映像でたどりたい	『Opus』	曲目に対応するYMO・映画・ソロの初出作品

一曲の比較では、最初から全部の要素を同時に聴き取ろうとしなくて構いません。最初の一回は旋律が戻る場所、次は旋律の下の低音、さらに音がなくなった後の余韻というように、一つずつ対象を決められます。これは採点するための聴き方ではなく、同じ曲を別の編成で聴いたときに、自分が気付いた違いを言葉にするための方法です。

アルバムを比較する場合は、一曲を取り出す比較と分けます。冒頭と終わりの曲、曲間の長さ、声や環境音の置かれ方によって、一枚を通した時間の印象が作られます。代表曲集は時代を横断するのに便利ですが、制作時のアルバムを聴けば、その曲がどんな前後関係の中に置かれていたかを知ることができます。

気になった録音をメモするなら、「曲名／収録作品／演奏者／録音または発売の版」を一組にします。たとえば「Merry Christmas Mr. Lawrence／/04／坂本龍一／2004年の作品」と記録すれば、後で映画の録音と取り違えにくくなります。定額配信の検索結果に複数の再発売があっても、自分が比べたい演奏を見失わずに済みます。

坂本龍一をさらに知る映像と書籍

演奏する姿を見たい場合は『Opus』、後年の創作や考え方を本人の言葉から知りたい場合は『ぼくはあと何回、満月を見るだろう』が補助資料になります。音楽そのものと、制作や人生を語る資料を行き来する読み方ができます。

『ぼくはあと何回、満月を見るだろう』は、新潮社から2023年6月21日に刊行された288ページの単行本です。『音楽は自由にする』に続く時期を扱い、創作、社会活動、自分の後の世界への考えなどが語られています。鈴木正文による最期の日々の原稿も含まれるため、全ページを坂本本人が書いたものと一括りにはしません。

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